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Plan de rodaje

El armado de los planes de rodaje, suele ser visto como el momento de mayor desorden, caos y confusión. Pero no tiene porqué ser así. Los planes de rodaje están hechos para ordenar todo lo que tenemos y que esto se pueda convertir en una grabación coherente y productiva.

Acá podrán ver los principales tips que deben considerar antes de empezar a hacer un plan de rodaje.

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Storyboard

Texto, ejemplos de imágenes, plantillas descargables
Tutorial de otra página web

Storyboard es una palabra que asusta mucho a algunos realizadores, especialmente a los que se identifican con “no saber dibujar”.

Aunque personalmente tengo problemas con la idea de que algunos simplemente “no saben dibujar” (simplemente nos hacen creer que no sabemos), comprendo que para muchos es una fuente de tremenda ansiedad el tener que visualizar su proyecto antes de realizarlo.

El objetivo de hacer un storyboard es poner tu idea en papel para poder compartirla con tu equipo. Es difícil reunir un equipo audiovisual en que todos tengan habilidades extrasensoriales, así que por el momento tenemos que limitarnos a este tipo de técnicas mundanas ;-).

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Pre-presupuesto

Cuando se empieza con un primer proyecto audiovisual, antes de escribir el guion, antes de desarrollar la idea, antes de realizar cualquier acción, se tiene que saber un aproximado del presupuesto con el cual cuenta el equipo de trabajo.

Muchas veces, el director o el guionista tienen planeados cortometrajes que involucran helicópteros y estadios llenos de personas, pero estas escenas no siempre son posibles si contamos con un presupuesto limitado.

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El equipo

Un proyecto audiovisual es la conjunción de varias piezas pequeñas, todas en movimiento, todas a cargo de alguien diferente.

Aunque pueda parecer que lo más importante es encontrar todas las piezas de equipo que necesitas: cámaras, luces, micrófonos; en realidad lo que más desesperadamente necesitas encontrar es a las piezas humanas que te van a acompañar en todo el recorrido.

Tu equipo audiovisual se va a convertir en tu familia por un par de días. Con estas personas comerás, reirás, odiarás, amarás, todo en un espacio posiblemente no más grande que un salón de clase, durante 12 horas al día, por varios días.

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Take Action #04: Un personaje real

Estamos participando en el Take Action Challenge de Stillmotion, un reto de 11 semanas para aprender a hacer audiovisuales “the Stillmotion way”.

Filmar a un personaje real es un reto completamente diferente a filmar ficción. En una ficción tú controlas todo sobre los personajes: qué dicen, qué se pone, etc. En vivo, solo puedes responder y adaptarte sobre la marcha. ¿O no?

No realmente.

Con personajes reales todo se trata de la pre producción. Un personaje real ya tiene definido cómo se viste, qué dice, qué hace. Tu trabajo es obtener toda esa información. ¿Cómo? ¡Hablando con ellos!

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Es fácil sentirnos intimidados por personajes que no conocemos, o incluso por amigos. Pero la verdad es que a todos nos gusta ser entrevistados sobre nuestras costumbres, preferencias, hobbies. Aún cuando podemos ser muy tímidos, o muy expresivos, sentir el interés de alguien por algo que hacemos siempre es una experiencia agradable.

En nuestra experiencia estas son algunas preguntas que suelen funcionar como puntos de partida:

  • ¿Qué necesitas para realizar la actividad?
  • ¿A qué hora llegas/llegan? ¿Llegas solo/a?
  • ¿Cuál de tus movimientos es tu favorito, o cuál de tus canciones, o líneas? (Dependiendo de qué actividad tiene el personaje)
  • ¿Qué hacen antes de empezar?
  • ¿Puedo acercarme mientras actúas/tocas/recitas? ¿Qué tanto?
  • ¿Qué te vas a poner? ¿Llevas algún accesorio?

Aún con actividades tranquilas o “simples”, como hacer Yoga, es muy útil hacer estas preguntas.

Sé casual, juega a ser un detective y no dejes que tu personaje se sienta interrogado. Por el contrario, demuéstrale que tienes un interés sincero por lo que hace, tu entusiasmo por participar y no solo ser un observador.

Puede ser difícil romper con la timidez, pero esa es la clave para pasar de un simple registro a una historia.

¿Has tenido problemas con entrevistas, eventos en vivo? Cuéntanos en los comentarios.

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Take Action #03: Spot radial

Estamos participando en el Take Action Challenge de Stillmotion, un reto de 11 semanas para aprender a hacer audiovisuales “the Stillmotion way”.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=jyIWceBm_BM]

La tercera semana llegó con un reto divertido, debíamos realizar un spot radial que durara 30 segundos y promocionara el piloto de una serie. Pensamos que sería una buena oportunidad para usar un proyecto que ronda hace tiempo nuestras cabezas, así que comenzamos a producir el spot de Pandilla de mototaxistas.

La historia gira alrededor de un grupo de vigilantes que usa su negocio de mototaxis como fachada para luchar contra el crimen en su barrio. Por supuesto, tuvimos que hacer algunos ajustes para que el concepto fuera comprendido en el mercado norteamericano, así que convertimos a los mototaxistas en Delivery Boys y nació Justice Take-out.

Ahora, ¿cómo lograr que el spot radial de nuestra franquicia internacional tenga éxito? Si alguna vez te encuentras ante una pregunta como esa (o similar) te recomendamos que sigas estos 3 simples pasos, a nosotros nos ayudaron inmensamente.

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1. Construye tu mundo: No cuentas con imágenes, pero sí con la imaginación del oyente. Utiliza todos los sonidos que te ayuden a crear un universo a su alrededor. Transpórtalos a la ciudad donde se desarrolla tu serie, haz que se emocionen y que vean lo que quieres que vean.

En nuestro caso, debíamos transmitir el estado de caos en el que la ciudad se encontraba. Así que utilizamos sirenas de policías, frenadas intempestivas, ruido de muchedumbre y disparos para lograr que el oyente comprenda y sienta que está en un lugar inseguro.

Un consejo valioso, no dejes ningún momento en blanco. Los spots radiales son muy breves así que cada segundo cuenta, si dejas un espacio vacío, rompes la ilusión y el oyente perderá interés. Esto no quiere decir que no puedes utilizar el silencio (este es un elemento tan importante como cualquier otro efecto), pero debes estar seguro de que esté cargado de emoción, expectativa y sentido. Debe ser un silencio que construya el mundo al que nos has transportado.

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2. Construye personajes: La voz es un elemento muy maleable, explótala y diviértete con ella. Así como los efectos deben construir el mundo al que introduces al espectador, la voz debe dibujar al personaje en su mente y generarle interés.

Utiliza voces peculiares y claramente diferenciadas, basta con que una voz sea ligeramente parecida a otra para que el oyente se confunda y pierda interés en el spot. Nosotros, mantuvimos las cosas sencillas; usamos un narrador que nos guiara a través del spot para evitar confusiones.

Si bien es una solución ingeniosa, fallamos al no darle más carácter para que se acople bien al mundo de caos y acción al que estábamos introduciendo al oyente. Su tono fue muy neutral cuando debió ser más rasposo y grave.

Cuando sientas que tu actor de doblaje (o tú mismo) no está logrando la voz que construye adecuadamente al personaje, no desesperes. La tecnología te da todas las artimañas para que logres el tono que buscas. Sube la ganancia de un micrófono y habla muy cerca y muy gravemente, esto te podrá dar un tono solemne y casi robótico que sería difícil de lograr usando solo la voz. Explora y juega con las opciones que tu programa de edición te dé hasta que consigas el resultado que buscas.

3. Crea una historia: Tienes los efectos y el mundo construido, has creado personajes interesantes y bien diferenciados, pero si no has creado una historia dónde estos efectos y personajes se desenvuelvan, el spot no funcionará.

Dale a tus personajes una acción y un objetivo claros durante el spot. Presenta una situación, el problema y la solución. Inicia con una frase que genere intriga y expón el drama y su posible desenlace. Tienes una infinidad de herramientas que te permiten cumplir con el objetivo de interesar, emocionar e incentivar al oyente a ver tu serie.

Nosotros optamos por la segunda opción. Presentamos una ciudad gobernada por el crimen y en la que la justicia no llega a quienes la piden. Ante esto, un grupo de héroes decide impartir justicia con sus propias manos.

No olvides decir la hora, día y canal en el que se presentará tu serie. Parece algo bastante obvio, pero al terminar el primer borrador del guión, nos dimos cuenta de que se nos pasó por completo agregarlo. También recuerda la regla de oro de los guiones: todo se reescribe; una vez que termines el primer borrador, corrige y mejora todo lo que creas necesario, al final terminarás con el destilado de lo mejor de tus ideas.

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Ahí lo tienes, tres consejos sencillos para trabajar una historia desde el sonido: construye el mundo de tu relato, crea personajes claramente diferenciados y memorables y haz que se desenvuelvan en una historia que emocione al oyente.

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Take Action #02: Storyboarding

Estamos participando en el Take Action Challenge de Stillmotion, un reto de 11 semanas para aprender a hacer audiovisuales “the Stillmotion way”.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=qI8EAmykcx0]

Para la segunda semana de Take Action, el reto era preparar un video de 80 segundos en el que le expliques a un cliente tu visión del guión que se te había entregado.

Nuestra reacción inicial fue proponer encuadres “inmediatos”, pero luego de un rato de dudarlo decidimos probar con algo más meticuloso. Así que fuimos paso a paso decidiendo sobre el porqué de cada herramienta y elemento: dónde poner la cámara, qué longitud focal usar. En resumen: cómo relacionar lo técnico con lo narrativo.

El encuadre #1
Para empezar el corto propusimos usar un efecto “zoom out + travelling in” (ese efecto “dramático” en el que parece que el fondo se aleja pero el personaje no se mueve). El protagonista iniciaba la historia en un bar, ya ebrio, y con una realidad distorsionada que lo llevaría a su perdición. El espectador se uniría a él lentamente, entrando a esta percepción distorsionada.

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Encuadre #1: El protagonista en el bar, de espaldas, mientras la cámara se acerca a él, haciendo un efecto de distorsión de zoom-out/travelling-in.

El razonamiento de nuestro encuadre #1 fue:

  • Encuadrar al personaje de manera plana, para que parezca aprisionado por el entorno.
  • Colocar al personaje al centro del encuadre, para que sea evidente que es importante.
  • Usar el efecto zoom para “entrar” en su percepción alterada, sentirnos mareados como él.
  • Rodear al protagonista de su contexto: mostrar el bar mientras vamos entrando en su mundo.

¿Hubiese funcionado llegar, poner la cámara y lanzar unas cuantas tomas? Sin duda, pero no necesariamente hubiese explotado nuestra interpretación de la historia.

Parte de este reto está en justificar, de manera visible y física en un dibujo, el porqué de tu visión. No es suficiente “verla clara” (en tu cabeza), es necesario comunicarla clara, a los demás.

El diafragma como herramienta narrativa
La fuerza de la costumbre nos haría usar el diafragma más abierto disponible en nuestro lente, después de todo un bar no es un lugar muy iluminado. Digamos, f/1.8, o f/2.8. Sin embargo, ¿esto es coherente con lo que tratamos de decir? En este caso, no necesariamente.

Esta toma inicial debía ayudarnos a poner al personaje en un contexto, y al mismo tiempo sugerir la confusión y distorsión de su mundo. Necesitábamos usar un diafragma al servicio de la historia.

Escogimos algo entre f/4 y f/5.6, según condiciones de luz. Evidentemente, esto nos obligaba a tener una luz adicional para que sea posible grabar. Pero, es parte del trabajo, del reto, y de nuestra visión.

En conclusión

  • Parte del trabajo de pre producción es proponerte un reto (razonable) y, paso a paso, superarlo.
  • Luces, lentes, soportes, estas cosas pueden alquilarse o prestarse. No tengas miedo o vergüenza de buscar lo que necesitas para hacer realidad tu (razonable) visión.
  • Piensa con cuidado qué significa cada decisión técnica en tu historia: ¿Esta profundidad de campo me dice algo del personaje, o solo “se ve pro”? ¿Mover la cámara me ayuda a involucrarme en la historia, o me distrae?

Dicho todo eso… Cuidado, ¡conseguir un tiburón mecánico para tu corto de 2 minutos puede que sea muy difícil!.

Algunos encuadres más, con la explicación técnica de lente, movimientos y demás, en nuestro Facebook.

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Take Action #01: Iluminar sin luces

Estamos participando en el Take Action Challenge de Stillmotion, un reto de 11 semanas para aprender a hacer audiovisuales “the Stillmotion way”.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=lINjKYOuc5g]

Esta semana fue la presentación del primer reto de Take Action. El desafío era iluminar una entrevista de manera criteriosa con materiales y elementos que encontrases en la locación, que podía ser tu casa, una oficina, un taller…

Decidimos usar los Creative Block Studios (es decir, una de nuestras casas).

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Nos dimos cuenta de un par de cosas interesantes mientras colocábamos las luces:

  • Separar al sujeto del fondo a veces implica alejarlo del fondo. Nuestro encuadre solo fue factible cuando alejamos el sofá de los estantes traseros.
  • Nuestro balance de blancos fue acertado solo cuando fue uno personalizado, usando la pizarra acrílica como la referencia.
  • ¡Las luces se trabajan una por una!
  • Cualquier objeto no transparente es una buena cortina, y una buena manera de evitar reflejos que malogren el encuadre.
  • Las bolsas plásticas, y especialmente esa especie de tela plástica blanca en la que vienen algunos electrónicos, son buenos difusores.

Normalmente trabajamos con luz natural modificada levemente, o con rellenos sutiles, así que fue una situación nueva tener que iluminar algo desde cero, y de manera 100% artificial.

Como recomendación final: la próxima vez que tengan que grabar a alguien añadan un hair light y un background light, y disfruten la diferencia.

El encuadre final, tal como quedó, sin retoques, en nuestro Facebook (y algunas fotos más).

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Take Action Challenge

Estamos participando en el Take Action Challenge de Stillmotion, un reto de 11 semanas para aprender a hacer audiovisuales “the Stillmotion way”.

Stillmotion es un film studio en Portland, Oregon. Su filosofía de “la historia primero”, y su pasión por compartirla, nos ha influenciado desde que los conocimos gracias a la magia de internet.

Cuando se presentó la oportunidad de unirnos a Take Action, su programa de educación online, aceptamos de inmediato. Nada mejor que aprender de personas que admiras, y con las que compartes una filosofía.

Son 11 retos, uno cada semana, para tomar acción y perfeccionar tus habilidades y conocimientos de producción.

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Nosotros, por supuesto, compartiremos lo que aprendamos en cada una de estas semanas. Esperen pronto el primer post.

Recomendamos todos los videos de Stillmotion en vimeo, y especialmente su curso de 4 videos Storytelling the Stillmotion way.

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